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Respuesta:
La improvisación teatral es la improvisación aplicada al teatro. Un conjunto de técnicas de improvisación se pueden utilizar en la formación y entrenamiento actoral. Además pueden ser usadas para la creación de obras de teatro, ya sea basadas en un texto o durante la creación del mismo; finalmente, la improvisación teatral es en sí misma un género teatral en el que los actores improvisan en directo. Géneros teatrales específicos como la comedia del arte, el clown, el cabaret, el café-teatro, las ligas de improvisación o a menudo el teatro de calle utilizan la técnica de improvisación.
La improvisación dramática actualmente es clave en todos los géneros teatrales y en todas las artes escénicas. En danza-teatro y danza contemporánea, por ejemplo, se da mucha importancia a experimentar con la improvisación gestual y corporal para ir encontrando lo que se quiere transmitir al público. Esto se hace a lo largo de todo el proceso de composición y creación de la coreografía, escenografía y otros elementos escénicos, de forma que cada intérprete creador aporta su personalidad y estilo.
Se usa también como método terapéutico y de crecimiento personal, para mejorar la psicomotricidad, la empatía, la comunicación, la creatividad, la confianza, la negociación, la gestión de conflictos y la cohesión de grupos, sea a través del psicodrama u otras formas de teatro social, o por sí misma. Usada como terapia, la improvisación teatral es una forma de producción compleja que ayuda al desarrollo general de la persona a partir de un recorrido simbólico, frente a las creaciones espontáneas -en forma de síntomas o problemas de comportamiento- que ésta desea cambiar o le producen malestar.
Respuesta:
A lo largo de la historia del arte, la improvisación se ha configurado como un elemento poético de experimentación y creación artística. Los artistas han recurrido a ella, ya sea como recurso de composición durante el proceso creativo o como obra final en la que se conjuga el crear y el hacer en una dimensión tempo-espacial simultánea y espontánea. En cierto sentido, en toda composición artística se encuentra implicada la improvisación, pues, tal como escribió el compositor Arnold Schoenberg, “después de todo, un improvisador puede anticiparse antes de tocar, y componer es una improvisación lentificada; a veces no se puede escribir lo suficientemente rápido como para seguir el ritmo del flujo de ideas”.
Las artes vivas o artes del tiempo como el teatro, la danza, el performance o la música, han favorecido las diversas formas de improvisación debido a que, tanto su contemplación como su ejecución, dependen de la temporalidad de la propia obra. En el caso particular de la danza moderna y contemporánea, la improvisación no sólo ha fungido como parte integral de algunas técnicas modernas, sino también que el acto de improvisar se ha concebido como el resultado final de la obra.
El acto de improvisar le exige al bailarín un tipo de conciencia específica en la que la creación y la ejecución ocurren en un tiempo y espacio simultáneos, pues para dicho acto no existe ninguna clase de preparación coreográfica establecida con anterioridad.
A partir de los años sesenta, la improvisación cobró una mayor visibilidad y recibimiento por parte de la comunidad dancística. Algunos bailarines y coreógrafos pertenecientes al movimiento de la danza posmoderna, tal como Steve Paxton, Trisha Brown, Simone Forti, Yvonne Rainer, Anna Halprin o Nancy Stark Smith, por nombrar algunos, han sido considerados como los mayores exponentes de la danza improvisación, pero, sobre todo, de la improvisación de contacto o contact improvisation.
El contact improvisation tiene sus orígenes en las experimentaciones corporales realizadas por Steve Paxton en el Oberlin College en 1972, mismo año en que el coreógrafo estrenó la obra Magnesium. En ella se investigaban las distintas posibilidades de contacto de movimiento por medio de acciones de toque, agarre, apoyo, colisión, empuje o caída, por tales motivos, Magnesium es considerada como la obra fundacional de dicha práctica.
Steve Paxton, Contact improvisation.
Podemos definir al contact improvisation como una práctica dancística en la que dos ejecutantes (aunque pueden ser más), por medio del contacto entre sus cuerpos, exploran distintas posibilidades de movimiento. De acuerdo con Paxton, “este sistema se basa en los sentidos del tacto y del equilibrio. Los partners en el dueto se tocan bastante entre ellos, y es a través del tocar como la información sobre el movimiento del otro es transmitida”.
En ese sentido, el contact improvisation destaca las fuerzas de peso y gravedad que surgen cuando un cuerpo interacciona, por medio del tacto, con otro cuerpo, con el piso o con otra superficie, por lo cual, entendemos que el contacto-entre-cuerpos constituye la base del movimiento. De igual forma, dicha práctica se entiende como una experiencia de sensaciones internas en la que el flujo de energía de movimiento generada entre dos cuerpos y la tactilidad, resultan ser más importantes que las formas, figuras o posiciones visibles que encontramos claramente en otro tipo de técnicas dancísticas como el ballet, el jazz o incluso la técnica de Martha Graham.
En el artículo titulado “Contact Improvisation”, escrito por Paxton para la revista The Drama Review: TDR en 1975, el coreógrafo establece los principios de la práctica en cuestión, los cuales consisten en:
Actitud.
Sensación o percepción del tiempo.
Orientación al espacio.
Orientación al partner.
Expansión de la visión periférica.
Desarrollo muscular −centrar, estirar, seguir el peso y aumentar la acción conjunta−.
Explicación:
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