¿ Que quería representar el Maestro Omar Rayo con sus cuadros?
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Rayo un hacedor de imágenes, de pasión, de fantasías, de generosidad, de amor y color dijo: “Quiero que me recuerden como un creador, como lo que soy. Quizás, una persona amargada; quizás, como una persona simpática; quizás, como una persona de buen humor. No sé cómo la gente me interprete; pero, la verdad es que yo amo la gente y no tengo rencores contra nadie…”
Nació el 20 de enero en 1928, en Roldanillo, Valle del Cauca, Colombia; desde temprana edad evidencia el gusto por las artes plásticas, realizando pinturas en los muros de su ciudad natal; desde allí estudia dibujo por correspondencia en la Academia Zier de Buenos Aires.
En 1947, con su titulo de dibujante, empieza su carrera profesional en Cali (Valle del Cauca) trabajando como caricaturista e ilustrador en varias revistas; dibujando e ilustrando para diversos periódicos y revistas, comenzó a impulsarse y promoverse en el mundo artístico de la ciudad; inicia estudios en la Escuela de Bellas Artes, en la cual le dijeron: “usted ya no tiene nada que aprender aquí”, y motivado por sus excelentes trabajos y ayudado por su amigo Álvaro Mutis, parte hacia Bogotá y conecta con la intelectualidad, como Jorge Zalamea, Luis Vidales y León de Greiff, inicia su profesión como ilustrador y caricaturista de los principales diarios y revistas del país como el Tiempo, el Espectador, El Liberal y Cromos
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Respuesta:
La geometría, la ilusión óptica y el rigor técnico caracterizaron la propuesta de ómar Rayo, nacido en 1928. De formación autodidacta, su primera elección fue ejerciendo la caricatura, donde se destacó como uno de los mejores hacia finales de la década del cuarenta en Colombia. Escogió para caracterizar su estilo la geometrizacion de los rasgos de los aludidos quienes eran representados mediante tablas, esta particular manera de abordar el género la tituló “Maderismo”. La primera exhibición como artista creativo fue planificada con formas figurativas influidas por el Surrealismo. Alargadas y estilizadas con reminiscencias vegetales y sobre paisajes metafísicos. Esta otra etapa la denominó “Bejuquismo”.
En 1954 emprende un viaje por tierra a Suramérica. Esta travesía que duró cuatro años lo llevó a visitar Ecuador, Perú, Brasil, Uruguay, Argentina y Chile. En las capitales de estos países no solamente produjo obras sino que exhibió. Su trabajo entonces no solo da cuenta de los lugares, argumentando en torno a los mismos, sino que se decide por la geometría como lenguaje. Lo cual es coincidente con muchos de los que van a ser sus colegas en América Latina como Alejandro Otero, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz Díez, Julio Le Parc, Eduardo Mc Entyre, Edgar Negret o Eduardo Ramírez Villamizar para nombrar algunos con puntos comunes y con los que Omar Rayo tuvo relaciones personales. En ese nomadismo sus planteamientos se enriquecieron con distintas experiencias: la naturaleza, el arte popular, el legado precolombino y la diversidad étnica. Fueron éstos los argumentos que trató en la serie que se conoce como “Vía Sur”. Quiero resaltar de este período la obra “Paisaje de Nazca II” fechada en 1956, donde es evidente la interpretación del legado prehispánico como referente y su voluntad de abstracción, simplificación y economía cromática, características todas que van a acompañar su propuesta posterior. Igualmente la acuarela “Bodegón de Buenos Aires” del mismo año, donde se advierte la influencia de Joaquín Torres García, no solamente en la distribución geométrica, el uso de la cruz, la letra, el número, sino en el cromatismo esencialista.
Luego regresa a Colombia en 1958, pero solo para exhibir su nueva producción y preparar el viaje a México. País donde entrará en contacto no solamente con artistas como Siqueiros y Tamayo sino con los de la nueva generación: Cuevas, Rojo, Felguérez, García Ponce, López Loza, Aceves Navarro, Coen, Goeritz, Sebastian, Von Gunten, Gironella, Toledo. Allí estuvo hasta 1961. La estadía en México fue definitiva para la conceptualización y afirmación de su personalidad artística. Su pintura se tornó decididamente abstracta, con colores planos y bordes duros. Usó el círculo, el cuadrado, el rectángulo para interrelacionarlos y crear composiciones asimétricas controladas. La gama cromática incluía colores como azul, verde, rojo, amarillo, gris, negro y blanco. Pintó en acrílico sobre lienzo. Algunas de estas formas entrelazadas comenzaron a ser sombreadas en los bordes a fin de producir ilusión. Allí encontrará el artista su manera de plantear elementos vibracionistas y de consolidar una imagen diferenciada.
Explicación:
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