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Respuesta:
La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias.
La alegría de vivir
Año: 1905
Técnica: Óleo sobre lienzo. Medidas: 175 x 241 cm.
Ubicación actual: The Barnes Foundation. Merion. Pennsylvania
Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define la frente y la nariz de su esposa. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros.
La habitación roja
Año: 1908
Técnica: Óleo sobre lienzo. Medidas: 180.5 x 221 cm.
Ubicación actual: Hermitage. San Petersburgo
En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia.
Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música, La Música y La Danza (acabados ambos en 1911, hoy en el Ermitage, San Petersburgo). Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos.
La danza
Año: 1911
Técnica: Óleo sobre lienzo. Medidas: 260 x 390 cm.
Ubicación actual: Museo de Arte Moderno. Nueva York
Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas. A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951.
La Négresse
Año: 1952
Técnica: Gouache.
Medidas: 14 x 22 cm.
Ubicación actual: Centre Georges Pompidou. Paris
Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido.
Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.
Explicación:
Fauvismo
Los primeros cuadros de Matisse fueron representantes de un estilo llamado Fauvismo, que algunos críticos describen como el trabajo de bestias. La base del estilo implica una atención inusual al color que oscurece la imagen natural de un objeto. Por ejemplo, un portarretrato de un pasto verde con una casa podría usar mucho contraste para crear pasto rosa y una casa amarilla. Los críticos de su época vieron su acercamiento y a aquellos que trabajaban este estilo como absurdos y exagerados.
Naturaleza
El estilo de Matisse incorpora varios elementos de la naturaleza. Él creó imágenes de campos, casas, frutas comunes y desnudos contra fondos de pasto, prados y ríos. El arte se acercó a objetos cotidianos desde un punto de vista de distorsión presentando los objetos reales de formas aberrantes. A medida que se desarrolló su estilo, él se tornó un delegado del estilo clásico francés. Muchos de sus trabajos posteriores bajaron el tono de algunos de los colores extravagantes y llevaron más realismo al arte.
Color
Los colores que Matisse usó dependen del período de su vida a evaluar. En el primer período, antes de 1905, usó colores vibrantes, dramáticos y muy emocionales. A medida que maduró, el arte se desarrolló en formas uniformes con poco perspectiva o formas tridimensionales. Los contornos restringidos y el contenido emocional tomaron prioridad sobre el detalle. Por ejemplo, él no creaba imágenes realistas de una puerta y detallaba todas las partes del picaporte. En su lugar, sus pinturas apuntaban a representar una emoción asociada con esa puerta, así fuera libertad, soledad o miedo.
Dibujo y escultura
Si bien el estilo de Matisse se trata principalmente de pinturas, también incurisonó en escultura y dibujo con bolígrafo y tinta. Sus dibujos eran principalmente líneas simples sin adornos que trataban con sujetos femeninos aún vivos. Las esculturas lo ayudaron a visualizar sus pinturas y conceptualizar cómo transferir esos objetos a sus cuadros. Se lo cita diciendo "Esculpo como un pintor"
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